terça-feira, 19 de fevereiro de 2013

A hora mais escura


A hora mais escura (2012) é um exemplo de que nem sempre conhecer o desfecho de uma história representa saber a emoção de sua trajetória. 

O filme, da premiada diretora Katryn Bigelow, conta a longa jornada do serviço de inteligência e segurança norte americano em busca do temido líder da Al-Qaeda, Osama Bin Laden. Centrada na figura da agente Maya, interpretada com brilhantismo por Jessica Chastain, a caçada tem início no pós 11 de setembro de 2001 e atravessa a década permeada por acontecimentos marcantes, até culminar com a captura do líder, em maio de 2011. 

As cenas iniciais em uma sala de tortura já antecipam a densidade e realismo das situações que virão ao longo da trama. A aparentemente sensível e insegura Maya que, a princípio, quase chora com a agonia do prisioneiro e parece chocar-se com os métodos utilizados pelos colegas de serviço, assume gradualmente tamanha obstinação diante dos fatos que se torna fascinante acompanhar a força de sua personalidade, a falta de temor e a inteligência com que conduz todo o trabalho que lhe cabe. Em meio a horas mal dormidas, má alimentação e parca vaidade, Maya empreende sua busca por Osama Bin Laden lançando mão de todos os métodos que julga válidos: depoimentos, torturas, gravações de áudio e som, escutas, perseguições, mapas, fotos e instinto. Em ambientes onde prevalece de forma massacrante a figura masculina, seja nas cúpulas burocráticas da política norte americana, na CIA ou no Comando Naval de Operações Especiais, Maya se impõe pela confiança de "100%".

Com movimentos amplos de câmera que viajam nos cenários naturais e direção de arte que recria com perfeição vilarejos e esconderijos no Oriente Médio, “A Hora mais escura” nos mergulha no realismo de confins islâmicos, para muitos, apenas parte de um imaginário distante. Da mesma forma, ao considerar aspectos da crença e sociedade orientais, o filme nos liga também àqueles personagens desconhecidos. Impossível desconsiderar a fidelidade de prisioneiros torturados ao ideal de guerra, o desespero das mulheres e crianças de Bin Laden ao perceberem a ameaça ao seu líder, ou a emoção de um dos membros da defesa americana ao visualizar corpos de seus descendentes islâmicos. 

Com uma narrativa bem amarrada que contempla com objetividade e fluidez a complexa rede de acontecimentos e personagens presentes ao longo de quase 1 década, somos levados aos bastidores de Bush, Obama e Osama. Ainda assim, muito além deles. As sequências de ação, que parecem trazer sons vindos de todos os lugares, fazem temer o já aguardado. Ataques terroristas, como os ocorridos na Turquia e em Londres, apesar de conhecidos, são apresentados de forma inesperada. Ainda, ao acompanharmos a chegada de supostos delatores da Al Qaeda a uma base militar americana, em meio a boas expectativas e olhares apreensivos, a sensação é de ameaça constante.

Finalmente, na tão aguardada sequência da captura do líder terrorista pelo Comando Naval, aspectos de uma estratégia minuciosamente técnica, mas ainda assim tensa e emocional. No avanço pelo refúgio do líder islâmico, não faltam disparos, bombas, portas, choros e escuridão. Em uma direção genial, que expõe Bin Laden da forma mais realista e sutil que poderia supor, temos o desfecho que abalou o mundo.

E assim como é incerto saber se a morte “daquele mais temido” mudará, de fato, o curso da história, torna-se incerto também entender o sentimento de Maya quando, finalmente, chora ao fazer cumprida sua missão. Talvez, a hora mais escura esteja apenas começando.

Por Rafaella Arruda 

quarta-feira, 6 de fevereiro de 2013

As faces de Scarface



A análise dos filmes de gângsteres Scarface - A vergonha de uma nação e Scarface, com base no modelo da Jornada do Herói (Christopher Vogler), mostra que, em termos de estrutura narrativa, as obras guardam mais semelhanças do que diferenças entre si, o que confirma o processo de remake realizado pelo diretor Brian de Palma, em 1983. Por outro lado, as particularidades se referem especialmente ao uso de alguns recursos técnicos, perfil dos personagens e abordagem da criminalidade, fatores que podem ser explicados, em grande parte, pela própria diferença de duração e de contexto histórico dos filmes. Scarface - A vergonha de uma nação é de 1932 e possui cerca de 1h30. Já Scarface, do ano de 1983, tem duração aproximada de 2h50. Enquanto o primeiro trata da criminalidade durante a Lei Seca nos Estados Unidos da década de 1920, este destaca o tráfico de drogas nos anos de 1980 tendo como cenário o território estadunidense no período da Guerra Fria.

Em termos de estrutura narrativa, as fases da jornada do herói se apresentam de forma semelhante nas duas histórias, com conteúdos, ordenamento e transições similares. As exceções são a etapa do Encontro com o Mentor que, em 1932, diferentemente da versão de Palma, ocorre antes do Chamado à Aventura, e a própria fase do Chamado. Enquanto este momento se mostra bem marcado na versão de 1983, com o convite feito a Toni Montana para a arriscada negociação com os colombianos, no original essa etapa se mostra mais superficial, não específica. Isso, pois o convite feito por Lovo a Toni Camonte para negociar com os dissidentes da gangue sul acontece no momento em que o gângster já se encontra melhor inserido na aventura, praticamente no mundo especial.

No que diz respeito à duração das fases narrativas, os contrastes devem-se à própria diferença de duração dos filmes, como já citado. Nesse sentido, as diferenças implicam, naturalmente, no uso distinto do tempo para enfatizar determinadas etapas da história ou aprofundar-se na condução de certos personagens. Assim, por exemplo, o estágio referente ao Caminho de Volta desenvolve-se de forma mais duradoura e com mais implicações dramáticas na versão de 1983, assemelhando-se a uma nova fase de Testes, Aliados e Inimigos. Já na versão de Hawks, essa etapa se desenvolve de forma mais rápida, funcionando como uma breve transição entre a Recompensa e a Ressurreição. Ainda no que diz respeito aos personagens, Manny e Elvira de Scarface, por exemplo, detêm mais ações na narrativa e desenvolvem mais aspectos de sua personalidade do que Guido e Poppy na produção de Hawks.

Em termos de recursos técnicos, ambas as produções seguem uma narrativa clássica, com montagem predominantemente linear e câmera objetiva que tem o protagonista como foco na maior parte do tempo. Há o uso estratégico de primeiro plano e close para dar destaque às expressões e reações dos personagens em momentos de tensão e suspense. Enquanto no preto e branco de Hawks os elementos da morte, violência e criminalidade são especialmente representados por recursos de iluminação, com o jogo de luzes e sombras em ambientes internos e noturnos, na produção de 1983 são as cores fortes, como o preto e o vermelho, que adquirem um valor simbólico associado à temática dos gângsteres. O registro excessivo e realista do sangue em Scarface, por exemplo, dá lugar a uma apresentação menos gráfica das feridas em 1932, com planos mais afastados em situações violentas. Talvez de forma a suavizar a agressividade das cenas e atender aos padrões da censura cinematográfica. Ainda, se na obra original a trilha sonora musical é praticamente descartada, sendo substituída por efeitos sonoros de tiros, metralhadoras, movimentos de carros e assobios, no remake os recursos musicais são diversificados para representar as diferentes etapas narrativas e também a condição íntima dos personagens.

Com respeito aos gângsteres, personagens centrais da análise, a vida pregressa apresenta-se de forma semelhante em ambos os filmes. Em Scarface - A vergonha de uma nação um crime ocorrido nas primeiras cenas já oferece indícios de criminalidade referentes à vida do protagonista. Em Scarface a narração inicial do cenário político entre Estados Unidos e Cuba também cria expectativas em relação ao refugiado imediatamente apresentado. Ainda que Tony Camonte e Tony Montana rebatam as acusações iniciais que lhes são feitas, tão logo a história avance os indícios tornam-se fatos e são estabelecidos a personalidade e anseios que os protagonistas irão assumir ao longo de toda a jornada.

Os personagens detêm aspectos físicos similares. Estrangeiros, possuem estatura semelhante, têm pele clara, cabelo, olhos escuros e uma cicatriz na face esquerda. Ambos falam muito e de forma articulada. Em termos psicológicos, são irônicos, destemidos, ambiciosos, violentos, frios e determinados. Compreendem-se autossuficientes e capazes de vencer sem a ajuda de outros. Têm um relacionamento conflituoso com a família, principalmente pelo ciúme excessivo que sentem da irmã. No campo afetivo, também não enfrentam relações satisfatórias. No romance mantêm uniões instáveis e têm como amigo apenas um aliado que, ironicamente, irá sucumbir sob seu próprio jugo ao final. Como aspecto moral, ambos dão valor ao compromisso e à importância de se honrar a palavra, aspecto especialmente destacado em Tony Montana. E na mesma medida em que são traídos e confrontados, também buscam a vingança.

Apesar das semelhanças, alguns traços psicológicos, morais e de relacionamento definem importantes particularidades para cada anti-herói. Montana demonstra um nível de sensibilidade que é praticamente imperceptível no perfil de Camonte. Apesar de toda a truculência e destemor, Tony Montana revela um lado mais humano no trato com a família, apesar de não menos intenso, e demonstra preocupação com a vida de inocentes. Na maior parte das vezes mata em situações críticas, quando a ação mostra-se questão de defesa da honra ou da própria vida. Já Camonte, mais esquemático, demonstra uma frieza praticamente constante, com exceção do momento em que enfrenta a morte da irmã. Sarcástico ao extremo, o personagem parece se divertir diante dos riscos e, diferentemente de Montana, parece matar de forma antes despropositada, como impulsionado por prazer ou compulsão. Exemplo disso são os diversos assassinatos de membros da Zona Norte e o massacre de São Valentin. A morte dos adversários é vista pelo personagem como apenas mais uma etapa em sua busca pelo poder.



Ainda, a decadência do personagem em Scarface apresenta-se de forma mais explícita e gradual do ponto de vista físico, psicológico e moral. O vício nas bebidas e drogas, a obsessão pelo poder e riqueza, o ciúme pela irmã e os desentendimentos com Elvira e Manny, por exemplo, atribuem ao personagem uma demência gradativa que parece arrastá-lo irresistivelmente ao descontrole de si mesmo e à derrota diante do inimigo. Por outro lado, a narrativa de Hawks não destaca esses aspectos. Camonte alcança a etapa final mais íntegro físico e psicologicamente, demonstrando apenas ligeiro abalo pela morte de Guido. A sensação é de que o personagem enfrentou menos conflitos e foi afetado por estes de maneira mais superficial. Tony Montana revela-se assim um personagem mais complexo e paradoxal, o que o torna, consequentemente, mais interessante e imprevisível na narrativa e, finalmente, mais próximo à realidade do homem cotidiano.

A morte dos gângsteres, em ambos os casos, é a concretização do fracasso do anti-herói após a ascensão e o apogeu pela riqueza e prestígio. Tanto Tony Camonte quanto Tony Montana sucumbem diante do inimigo, quando são contemplados de maneira irônica pelos dizeres “O Mundo É Seu” em uma forma de coroamento trágico do mundo na criminalidade. Ao decorrer do enfrentamento com a polícia, a morte de Camonte guarda um tom moralizante que atende às exigências da censura na época do filme. O fim do criminoso pelas mãos das autoridades garante certa sensação de punição, ainda que tardia, e retorno ao equilíbrio, o que responde aos intertítulos introdutórios do filme com a indagação da sociedade pelo combate à marginalidade. 

Já a destruição de Montana assume aspectos contrários em termos de narrativa e moralidade. Do ponto de vista narrativo, a partir do momento em que Montana encara na etapa final um perigoso inimigo, com resistência e aparente equilíbrio de forças, a condução da fase da ressurreição gera mais imprevisibilidade e, assim, garante mais suspense. A longa sequência final na mansão de Montana, as vitórias e derrotas parciais do protagonista e o uso de montagem alternada são exemplos que contribuem para esse aspecto. Ainda, ao apresentar a derrota de um gângster pelas mãos de outro, a sensação ao final da narrativa é de impunidade, caos, negativismo. Em termos morais, a criminalidade não é combatida, apenas reforçada em um dos lados.

Apesar de todas essas variações entre os filmes, a causa primeira na morte dos gângsteres assemelha-se pela ironia. Ainda que marcados por uma vida de ilegalidade, tanto Tony Camonte quanto Tony Montana são vencidos por sombras que não representam os frutos diretos de tal criminalidade. Camonte é finalmente rendido pela polícia após sucumbir ao ciúme extremo pela irmã e assassinar o melhor amigo. Montana é fatalmente acuado pelos homens de Sosa após negar-se a matar inocentes, descontrolar-se pelo uso das drogas e fragilizar-se com o assassinato do melhor amigo. Assim, ciúme, violência, impulsividade, vício e fraqueza causam a queda dos anti-heróis. Resultado trágico de uma vida de excessos.

Em uma visão geral, a construção dos personagens em ambos os filmes confirma as características clássicas do gênero gângster. Os dois são personagens urbanos, estrangeiros nos Estados Unidos, com o desejo de mudarem de vida. Enfrentam as adversidades com a busca determinada pela riqueza e poder, estabelecem relações de poder e confiança, criam suas próprias leis e, após a recompensa conquistada no submundo, encontram um desfecho trágico. Também, Camonte e Montana mostram-se produtos do contexto social na medida em que se constroem em meio à inexistência de leis, corruptibilidade e ineficiência das autoridades públicas no combate à criminalidade. De forma conclusiva os personagens são, em essência, um reflexo do homem comum. Analisá-los é ampliar o entendimento do gângster em sua generalidade. Compreender o contexto em que se inserem é compreender a própria realidade capaz de resultar em tantos outros de mesmo perfil. 

Finalmente, como resultado da análise com base na Jornada do Herói, cabe destacar que tal modelo mostrou-se válido, ao atender generalidades da produção narrativa; prático, ao sugerir referências de análise; e eficiente, ao possibilitar uma compreensão ampla dos objetos propostos, tanto de forma isolada como comparativa. Da mesma forma, a consideração de conceitos sobre a linguagem cinematográfica e o personagem de ficção, a partir de outros autores, garantiu um exercício mais detalhado de percepção dos objetos, contribuindo para o resultado final.

A análise possibilitou não apenas compreender a construção do gângster em duas narrativas específicas, mas ampliou a visão geral do cinema enquanto linguagem ao demonstrar de forma sistemática sua capacidade de contar histórias, transmitir sentidos, construir e conduzir personagens. 

Por Rafaella Arruda
(Trecho adaptado a partir do trabalho de conclusão de curso apresentado ao curso de Jornalismo do Centro Universitário de Belo Horizonte (UNI-BH) - Dez/2012. "A construção do gângster na narrativa cinematográfica: as faces de Scarface a partir da Jornada do Herói")

segunda-feira, 2 de julho de 2012

Para Roma, com amor


Tendo como cenário a bela e iluminada capital italiana em tons pastéis, Para Roma, com amor, de Woody Allen, nos apresenta quatro diferentes estórias: A chegada dos pais da noiva à cidade para conhecer o futuro genro e sua família italiana; o desencontro de recém-casados após a esposa perder-se nas ruas em busca de um cabelereiro; a visita da aspirante à atriz que passa uns dias na casa da amiga e de seu namorado; e a transformação na vida de um pacato homem e sua família após ele ser reconhecido (ou seria conhecido?) como celebridade.

Intercaladas em uma montagem eficiente, o que dá a sensação de se passarem simultaneamente, as estórias jamais se cruzam. E os tempos tampouco se assemelham. O que há de comum entre os personagens, aparentemente tão corriqueiros, são as situações absurdas, ou no mínimo impensadas, que enfrentam e provocam. 

É assim quando o “pai da noiva” escuta o sogro da filha cantando ópera embaixo do chuveiro e decide lançá-lo no mercado da música, extasiado com a potência de sua voz. Ou quando a ingênua e recém-casada moça do interior se perde nas ruas de Roma, enquanto seu noivo, no quarto de hotel, recebe a visita inesperada de uma garota de programa que o confunde com um de seus clientes. Em outro canto da cidade, um jovem arquiteto se apaixona pela sempre descabelada e falante amiga da namorada, tendo nos ombros o fantasma palpiteiro do que seria no futuro. Por fim, um cidadão comum, trabalhador e pai de família, passa a ser tratado como celebridade e ganha as páginas da mídia dando depoimentos sobre a forma de se barbear e preparar a própria torrada.

“Para Roma, com amor” possui um ritmo agradável, com trilha sonora romântica e divertida. Os diálogos precisos e, quase sempre, hilários, compõem muitos dos personagens e nos revelam nuances de suas personalidades até então impensadas do ponto inicial da narrativa. É assim que conhecemos os anseios do aposentado, do tenor, do casal inocente, do homem maduro saudoso da juventude e do pai de família diante de uma fama insustentável.  

Brincando com a imprevisibilidade do amor e das loucuras do dia a dia, Woody Allen remete às mais diferentes situações e é na riqueza destas e dos personagens que também encontramos um pouco de nós. Assim, quase sem perceber. E de forma leve.  


Por Rafaella Arruda

sexta-feira, 17 de fevereiro de 2012

O artista



Assistir a O Artista é lidar com as belezas e amarguras que permeiam o mundo da 7ª arte. Dentro e fora da tela. Na vida encenada e na vida real. Um filme mudo e em preto branco, que trata do próprio cinema mudo em um espetáculo de metalinguagem, O Artista conta a estória de George Valentin, astro das telas de Hollywood durante o final da década de 20. Um galã, alegre e simpático, à la Gene Kelly, que conquista as plateias com suas caras e bocas ao representar heróis e conquistadores. De uma maneira bastante trivial, Valentin conhece a espontânea Peppy Miller, e o acaso os faz serem fotografados juntos, como um casal. Admirada com o astro e vislumbrada com as possibilidades de também tornar-se atriz, Peppy Miller aventura-se na carreira com o apoio de Valentin. A partir da chegada do cinema falado, os atores tomarão caminhos opostos. Ele irá persistir na arte que o consagrou, negando-se a aderir à nova linguagem. Ela mostrará todo seu talento nos filmes falados. O destino de suas carreiras, ao enfrentar queda e ascensão, será o destino de suas próprias vidas.
 
O Artista desperta diferentes emoções, desde o riso até o choro. As cenas iniciais entre Valentin e Miller são leves, divertidas, e até certo ponto, ingênuas. A sequência em que se reveem pelos pés através de um biombo, em um estúdio de filmagem, ou na qual Miller é surpreendida por Valentin em seu camarim, enquanto abraça o paletó do ator, revela o despertar de um sentimento que, embora pareça tímido, se mostrará forte e capaz de enfrentar as mais difíceis situações. 
Por outro lado, a decadência financeira e profissional de Valentin, representada sem delongas a partir de uma ascensão consolidada, é o retrato penoso da destruição de um sonho e facilmente nos faz sentir pena e nostalgia pelos dias de glória. As tentativas frustradas do ator em manter o sucesso só reforçam esse sentimento, como ao lançar-se como roteirista, produtor, diretor, editor e ator de um possível “novo filme mudo de sucesso” e receber um retorno ínfimo do público. Em contraste, a carreira cada vez mais gloriosa de Peppy Miller. De aspirante à atriz, ela torna-se o que Valentin foi. Em diferentes momentos, ao reencontrarem-se, essa diferença de status é representada pelo posicionamento dos atores e ângulos de filmagem. Na conversa nos degraus do estúdio, a atriz está acima, enquanto ele, abaixo. Na mesa do restaurante, enquanto Miller responde à imprensa, iluminada, Valentin recua-se ao canto mais escuro, frustrado. 
A resistência de George Valentin em aceitar a chegada do cinema falado é repleta de simbologias. Cheio de vida, mas também de medo e orgulho, o ator nega o novo. Em seus sonhos, representados com belos esquemas de edição, o som é o maior vilão. A voz lhe falta, enquanto a dos demais lhe oprime. Mas talvez seja na presença de um adorável cãozinho, principal companheiro de Valentin desde as cenas iniciais do filme, que esteja melhor representado o conflito entre o mudo e o falado, entre o sentimento e sua verbalização. São eles os que mais se entendem, sem que, para isso, precisem trocar uma só palavra. O mesmo acontecendo em diferente escala, entre Valentin e seu chofer Clifton, em um relacionamento repleto de verdade e lealdade, e de poucas palavras. 
Transportados para a era do cinema mudo a partir de uma bela trilha sonora, condizente com as sensações trazidas pelo filme, e personagens oportunamente caricatos e sensíveis, O Artista nos enriquece ainda com referências claras a alguns clássicos da 7ª arte, como Cidadão Kane e Cantando na Chuva. Ao encerrar-se com a chegada dos musicais, o filme parece completar um ciclo e retomar a grandiosidade dos momentos de Valentin. Um artista não necessariamente rendido à fala, mas ao amor da mulher que soube abrir seus olhos para a capacidade de viver sem esconder o próprio talento. 
Por Rafaella Arruda

sexta-feira, 10 de fevereiro de 2012

A Separação



O drama iraniano A Separação (2011) é um belo, tenso e emocionante retrato da vida comum. Em meio a um dilema afetivo, mais marcado pelo conflito de interesses do que pela falta de sentimentos, o casal Simin e Nader resolve se separar. Ela pretende mudar-se do Irã e começar uma nova vida ao lado do marido e da filha Termeh, de 11 anos. Ele, dedicado ao pai que sofre de Alzheimer, recusa-se a abandoná-lo para acompanhar a esposa, assim como se nega a aceitar a partida da filha. O impasse, que vê na separação a única saída, torna-se o ponto de partida para uma nova realidade. Longe da esposa e tendo que se dedicar ao pai, de 80 anos, e aos cuidados de sua filha, Nader contrata Razieh, uma mulher a quem caberá os serviços domésticos e os cuidados do idoso durante sua ausência. Uma árdua tarefa que levará a batalhadora e dedicada mulher a enfrentar seus limites... Após um incidente no trabalho, Razieh, Nader e suas respectivas famílias enfrentarão novos impasses, colocando em jogo questões envolvendo dignidade, família e religião.

O uso frequente de câmera subjetiva e planos fechados, que quase não nos permite perceber os ambientes em sua totalidade, enquanto enfatiza a expressão dos atores, cria uma sensação de proximidade do espectador com os personagens e suas aflições. A captura constante de particularidades dos cenários domésticos, como porta, janelas e escadas, também nos aproxima da vida daqueles que são representados, criando uma intimidade entre nós e o ambiente, como se também fizemos parte daquela rotina. Nas situações de angústia e tensão, por exemplo, somos também acuados, como durante os tantos diálogos intensos, praticamente sem pausas. Mas A Separação é, antes de tudo, um filme marcado pela sensibilidade, pela naturalidade das emoções tão bem transmitidas pelos atores.

Os personagens, cada um com seu destacado valor (incrível perceber como cada uma das estórias representadas assume uma importância para a narrativa), são fortes, e ao mesmo tempo frágeis. Como Nader, homem honesto, dedicado e atencioso que em momento decisivo se encoleriza, acusa, agride... E Razieh, zelosa, decente, compreensiva e temente a seu Deus, mas que se precipita ao acusar sem certezas. Indivíduos que se sacrificam e se perdem em suas fragilidades. Do outro lado, as doces crianças Termeh e Somayeh, que não menos se sacrificam, e que, em sua pureza e inocência, enfrentam as dificuldades da vida sem escudos. Perceber o choro da menina Termeh, ao surpreender a aparente morte do avô, ou da pequena Somayeh, no desespero de presenciar o sofrimento da mãe, são situações que emocionam tanto quanto o choro de Nader na luta para cuidar do pai ou de Razieh, que implora perdão para conseguir a liberdade do marido. Situações magistralmente conduzidas e que exalam verdade.

Mas o importante é que a produção iraniana A Separação não é um retrato pessimista da vida. É sim, apenas, um retrato da realidade, com todos seus dilemas. Talvez tão perfeitamente transpostos mesmo para nossa tão distinta realidade Ocidental. Um mundo de homens comuns permeado pelo conflito de valores como família, religião, educação e respeito próprio. Onde se relacionam pais e filhos, senhores e empregados, crianças e idosos.

No filme, a sensação é de que, apesar das dificuldades, no fim, sobressaem os bons valores. A moral, e não a decadência. E como forma de trazer esse questionamento a nós mesmos, temos a estratégica cena final em que se retoma a situação da “separação”. Seríamos capazes, estando no lugar do personagem, de decidir pelo melhor caminho? Com quem ou pelo quê ficaríamos? É com essa pergunta que abandonamos a tela... Procurando respostas. Pensando sobre as dificuldades do mundo, mas principalmente, sobre nossa postura diante delas.

Por Rafaella Arruda

sexta-feira, 13 de janeiro de 2012

Cabo do Medo



Na atual cidade de New Essex, Estados Unidos, um homem recém-saído da prisão retorna à liberdade com o desejo único de vingança. Condenado a 14 anos após estuprar uma jovem, Max Cady (Robert De Niro) parte em busca de Sam Bowden (Nick Nolte), advogado que havia assumido sua defesa no caso e logo após abandonado ao tomar conhecimento do grave estado da vítima. Entregue à defensoria pública, Max é considerado culpado. Na cadeia, descobre que informações acerca da vida promíscua da vítima, capazes de reduzir sua pena, haviam sido omitidas pelo ex-advogado. Agora, nas ruas, Max Cady quer se vingar, e para isso não medirá conseqüências. Sam, a esposa Leigh (Jessica Lange) e a filha adolescente Danny (Juliette Lewis) serão os alvos deste violento psicopata, em uma trama surpreendente sobre traição, vingança e assassinatos.

A estrutura narrativa linear de Cabo do Medo revela de forma gradual o perfil dos personagens. Inicialmente, em fragmentos breves, apresenta os protagonistas que constituem um único núcleo narrativo: Max Cady e a família de Sam Bowden. A partir da primeira virada violenta e dramática da estória, com o estupro da amante de Sam, Lori Davis (Illeana Douglas), as ameaças de Max tornam-se fatos, o que garante a expectativa e suspense acerca dos próximos acontecimentos. O vilão revela sua perversidade e deixa claro do que realmente é capaz.

Irônico e destemido, Max não teme as leis e a possibilidade de retornar à prisão; violento, usa de toda a força física para agredir e matar; cruel, lança mão de tortura psicológica ao fazer ameaças constantes e sugerir a suas vítimas as mais constrangedoras situações. O corpo forte e coberto por tatuagens constitui para Max uma arma letal e resulta da preparação durante os anos que esteve na cadeia. Fanático religioso, recita de cor trechos da Bíblia em momentos cruciais da trama, como durante a agressão encomendada por Sam ou no embate final na casa flutuante. A forte ligação com a religião e a visão estranha que possui de Deus, inclusive, contribuem para tornar Max um personagem interessante e curioso não apenas do ponto de vista físico, mas também moral e psicológico. Em diversas situações, Max surpreende em atitudes não esperadas pelos personagens nem pelo espectador, como ao se esconder sob o carro na fuga para à casa flutuante ou ao se disfarçar com as roupas da empregada da família, após assassiná-la. Também ao aproximar-se de Lori e Danny, sem revelar quem realmente é, Max gera grande expectativa sobre como e quando se manifestará.

A sequência entre Max e Danny na escola é um destes exemplos. Ao se encontrarem, após uma estratégia muito bem planejada pelo vilão, Danny não tem consciência da ameaça a que está submetida, o que garante a tensão da conversa do início ao fim: sabemos do mal que Max quer fazer à jovem, mas não sabemos ainda de que maneira; sabemos do que ele é capaz, enquanto a jovem acredita apenas estar conversando com um professor. Com diálogos inteligentes e repletos de subjetividades, a inocência de Danny, brilhantemente representada por Juliette Lewis, se contrapõe à malícia de Max em uma sequência bastante envolvente. Ela figura o estereótipo de uma adolescente em fase de transição e questionamentos, e seus trejeitos físicos, andar e olhares nos fazem percebê-la como uma jovem imatura e inexperiente, presa fácil de uma mente perversa como a de Max Cady

Sam Bowden, apresentado como um frio advogado e pai de família, também revela ao longo da trama mais de seu caráter. Descobrimos que ele trai a esposa e tem problemas de relacionamento com a filha adolescente. Todos os três com temperamentos fortes e propensos ao conflito de interesses. Enquanto alega sensatez por ter abandonado a defesa de Max, 14 anos antes, lança mão de métodos ilegais para capturá-lo ao pagar capangas para agredi-lo. Assim, à medida que as ameaças de Max aumentam e Sam sente-se acuado e perturbado, percebemos no advogado uma grande determinação para proteger sua família, podendo, semelhante ao algoz, levar sua atitude até às últimas consequências. Da mesma maneira, ansiamos pelas investidas de Sam e pela capacidade que terá para vencer o inimigo.

Nos aspectos técnicos de direção, o uso de violência extrema, mostrada com grande realismo (cena do estupro, agressão a Max Cady e luta na casa flutuante), a abordagem de conflitos familiares, a tensão psicológica íntima vivida pelos personagens e a submersão destes em uma atmosfera de traição e assassinatos são elementos que confirmam o estilo de Martin Scorsese, tome-se como referência obras de destaque do cineasta como Taxi Driver, Touro Indomável e Os Bons Companheiros. Por tratar-se de um suspense, Cabo do Medo prioriza a surpresa, a tensão e a expectativa, como já citado, e tem na trilha sonora e na fotografia elementos essenciais de reforço do gênero.

A trilha, de responsabilidade do músico Bernard Herrmann, que assinou inúmeras produções do mestre do suspense, Alfred Hitchcock, tem notas bem marcadas nos momentos mais tensos, ao antecipar surpresas, conduzir fugas e perseguições, e ao embalar as aparições de Max Cady. Em relação à fotografia, o uso recorrente de primeiro e primeiríssimo plano (ou close-up), câmeras estáticas e movimentos de zoom in captam as expressões dos personagens em momentos de maior tensão e, portanto, contribuem para o suspense ao enquadrá-los de forma mais próxima, possibilitando ao espectador compartilhar mais intensamente de seus medos e aflições. Exemplos são os enquadramentos longos em close-up de Max Cady ao ser levado à delegacia, acusado de envenenar o cão da família Bowden, e o movimento de zoom-in sobre Sam ao ser informado da acusação por agressão.

A iluminação do filme é predominantemente escura, com uso de sombras, reflexos na água e jogo de luzes que remetem a sonhos e alucinações. Essa forma valoriza o clima sombrio da trama ao encobrir elementos e personagens e, portanto, gerar expectativa sobre o que será revelado, como na sequência em que a família Bowden esconde-se na própria casa, às escuras, para aguardar a chegada de Max. Além disso, também para reafirmar o estilo de Scorsese, Cabo do Medo faz uso recorrente de cores fortes, com ênfase no vermelho, seja no sangue intenso das cenas de violência ou no próprio figurino de Max Cady, inclusive caracterizando o seu próprio carro. Neste sentido, o vermelho simboliza o pecado e a maldade de Max Cady, aquele pelo qual se tem mais temor.

Cabo do Medo representa, assim, mais um suspense hollywoodiano de qualidade. Com uma trama envolvente, personagens fortes e um clima sombrio e ameaçador, é mais um exemplo da condução fascinante de Scorsese em parceria com o brilhante Robert De Niro.


Por Rafaella Arruda

quarta-feira, 7 de dezembro de 2011

Programa Cinema e Som - Laranja Mecânica

O clássico Laranja Mecânica, de 1971, dirigido por Stanley Kubrick, é uma adaptação do romance homônimo do escritor inglês Anthony Burgess, de 1962.

No filme, o personagem Alex, interpretado por Malcolm MacDowell, é líder de uma gangue de jovens que tem como diversão praticar a violência gratuita em uma Inglaterra futurista, mas sem época determinada. Obsceno, adepto de uma linguagem peculiar que mescla gírias e dialetos eslavos e apaixonado por música clássica, em especial Beethoven, Alex comete seus sadismos em meio a cantorias e agitação.

Numa destas investidas, após ser atacado, Alex é preso, sentenciado e submetido a um método clínico experimental conhecido como Ludovico, com a intenção de combater sua personalidade doentia e agressiva. O tratamento de choque, que tem como uma das estratégias exibir ao paciente imagens ininterruptas de sexo e violência, terá um efeito devastador na vida de Alex. Principalmente quando ele retornar às ruas e ao contato com a sociedade.

Indicado ao Oscar de melhor filme, diretor, roteiro adaptado e edição, Laranja Mecânica tornou-se uma obra prima do cinema e uma das referências do trabalho de Stanley Kubrick. O longa conquistou ainda as premiações de melhor filme e melhor direção pelo Prêmio de Críticos de Cinema de Nova York.

Por Rafaella Arruda

(Programa Cinema e Som - ELOFM)